1. Teoría y  conceptos básicos de Historia del Arte.

1.1. Arte

Denominamos arte a cualquier actividad o producto cultural humano con una finalidad estética y/o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones y sentimientos e, incluso, una visión del mundo, utilizando para ello diversos medios y recursos (plásticos, sonoros, lingüísticos o mixtos)

Esta definición de arte, excluiría a las artes manuales o vulgares (albañilería, carpintería, etc.) y a las denominadas artes liberales (gramática, ingeniería, astronomía, etc.) y se centraría en las llamadas Bellas Artes (Arquitectura, danza, escultura, música, pintura, poesía, cinematografía).  Otra clasificación las dividía entre artes mayores (Arquitectura, pintura y escultura) y artes menores (orfebrería, tapices, vidrio, etc.)

Dicha concepción del arte, no obstante, está sujeta a un cierto debate, dada la existencia de un importante componente de subjetividad en la determinación de lo que podemos calificar como artístico, variable según las épocas, los lugares y los gustos sociales.  El lenguaje artístico es universal en cualquier caso y, por eso, a lo largo de la historia, nos encontramos con un continuo de realizaciones artísticas que nos permiten hablar de una Historia del Arte.  En ella, nos vamos a centrar en el estudio de las obras correspondientes a las grandes artes materiales: La Arquitectura y las artes plásticas: escultura y pintura.

Los principales elementos del fenómeno artístico, siempre presentes en toda realización catalogada como tal, son los siguientes:

• El artista.  Es el creador y autor de lo artístico; su personalidad y la forma en que sus realizaciones reflejan los rasgos ideológicos y las circunstancias de la época, o influyen en ellos, deben ser tenidos en cuenta a la hora de analizar el arte de una época.
• Los materiales y técnicas.  Son los responsables de la diversidad artística. varían con el tiempo, con el “gusto estético” y con las posibilidades tecnológicas de cada época o lugar.  Las técnicas pueden ser determinantes en la definición de un estilo.
• La obra de arte o realización material que tiene una existencia objetiva y que es perceptible sensorialmente.  Es resultado, principalmente, de la creatividad del artista, pero también de las ideas, las circunstancias socioeconómicas y los conocimientos técnicos de la época.
• El público.  Sería el destinatario final de la obra de arte y puede ser la población en general, un grupo determinado de personas o una sola persona.  Establece una relación dialéctica con el artista, puesto que genera una demanda a la que éste da respuesta y, por lo tanto, influye en su obra, al tiempo que el potencial creativo del artista, a su vez, puede generar entre el público nuevos gustos y demandas.

En definitiva, puede considerarse el arte como el resultado de la actividad creadora de uno o varios artistas que, usando técnicas específicas, trabajan distintos materiales para obtener obras de arte, las cuales tienen la cualidad suprema de la singularidad y, debido a su sentido estético, son apreciadas y valoradas por un público que, a su vez, influye en los artistas a través de sus preferencias o demandas.  A partir de esta dialéctica entre artista y sociedad, se va configurando una determinada manera de hacer las cosas que dará lugar a lo que conocemos como estilo artístico.

1.2. Estilos artísticos

Se definen como el conjunto de características concretas que permiten “prefigurar” durante un tiempo y en un área determinada, las realizaciones artísticas.  En general, todo estilo pasa por una etapa de formación o arcaica, otra de madurez o clásica y finalizan con una fase de agotamiento y búsqueda de nuevas formas o barroca, manierista según algunos autores.

En relación con el estilo habría que mencionar las corrientes artísticas, que responderían a gustos y maneras locales o regionales,  y los movimientos artísticos, que vendrían apoyados por una filosofía o una corriente cultural o científica determinada.
Desde la perspectiva del arte occidental y partiendo de sus inicios en Grecia, los estilos artísticos más comúnmente referidos, serían los siguientes:

• Arte Cretomicénico (II Milenio a.C.)
• Arte Griego (Siglos IX a I a.C.)
• Arte Etrusco (Siglos VIII a II a.C.)
• Arte Romano (Siglos III a.C. al V d.C.)
• Arte Paleocristiano (siglos III a V)
• Arte Bizantino (siglos V a XV)
• Artes Prerrománicos (siglos V a X)
• Arte islámico (siglos VII a XVII)
• Arte Románico (siglos XI y XII)
• Arte Gótico (siglos XIII a XV)
• Arte del Renacimiento (siglos XV y XVI)
• Barroco y Rococó (siglos XVII y 1ª mitad del XVIII)
• Neoclasicismo (2ª mitad del siglo XVIII y 1er cuarto del XIX)
• El Arte de la Revolución Industrial: Romanticismo, Historicismo, Realismo, Impresionismo y Modernismo (siglo XIX)
• Arquitectura de hierro y cristal / escuela de Chicago (2ª mitad del siglo XIX)
• Impresionismo y Posimpresionismo (finales del siglo XIX y principios del XX)
• Arte de las Vanguardias del siglo XX

Desde finales del siglo XIX, el arte desborda todos los límites formales y las estructuras sociales que lo enmarcaban hasta entonces y comienza una época de enorme profusión de corrientes (“ismos”) y estilos que se conocen con el nombre de Vanguardias.  Además, durante el siglo XX, ha surgido también el llamado arte de la cultura de masas, representado por la fotografía, el cine, el cartel, la historieta, el video, la infografía y todas las manifestaciones artísticas derivadas del uso de las recientes innovaciones tecnológicas.

Dentro de cada estilo, han predominado unos temas sobre otros, unas ideas sobre otras e, incluso ciertas “utilidades”. Cuando los artistas realizan sus obras adaptándose a dichos temas, se dice que éstas pertenecen a un determinado género artístico.

1.3. Géneros artísticos

Se trata de una especialización temática del arte que suele responder a las demandas de un público concreto o, en ocasiones, a una ideología o ambiente intelectual dominante.

Los géneros pictóricos y, en menor medida, escultóricos, se suelen clasificar en cuanto a su contenido temático: Retrato, desnudo, paisaje y marina, bodegón, pintura mitológica, pintura histórica, pintura religiosa, pintura de género, etc.

En Arquitectura, en vez de géneros, se habla de tipologías que dependen de la configuración global, la técnica, la construcción y la decoración. Tendríamos, así, el templo, el palacio, la vivienda, el castillo, la fábrica, etc.

En última instancia, los géneros y tipologías son creados por los artistas o demandados por el público debido a que cumplen una serie de fines que denominamos funciones del arte.

1.4. Funciones del arte

Las obras de arte, individualmente o en conjunto, responden a determinadas necesidades que tienen las personas e instituciones y que pueden variar a lo largo de la historia.  Entre ellas y, sobre todo, para la pintura y la escultura, cabe destacar las siguientes:

• Estética: quizás la más relevante a la hora de explicar el arte. Si no va acompañada de otras funciones, hablaríamos de arte decorativo.
• Práctica: es difícil encontrar una obra de arte que no tenga, en todo o en parte, de forma directa o indirecta, algún tipo de utilidad.
• Comunicativa: el origen y la propia definición del arte están muy relacionados con la necesidad de “expresar” o comunicar algo a alguien.
• Didáctica: sobre todo importante en épocas y lugares con elevado grado de analfabetismo entre la población, el arte cumple una función educativa.
• Mágico-religiosa: como complemento de rituales y espacios para el culto.
• Conmemorativa/simbólica: serviría para reforzar determinados sentimientos o comportamientos y para recordar hechos o procesos.  En ocasiones podría hablarse de una función política.
• Social: el arte se convertiría en aglutinante social o en vehículo de crítica social y política, según los casos.

En arquitectura, además, podríamos hablar de distintas tipologías dependiendo de la finalidad concreta de los edificios.  Éstos podrían responder a fines residenciales, religiosos, funerarios, civiles, políticos, administrativos, conmemorativos, militares, lúdicos y productivos.

2. Artes. Definición, materiales y técnicas

2.1. Arquitectura

Podemos definir la Arquitectura como el arte de proyectar y construir edificios o, dicho de otro modo, el arte de cubrir espacios. Según esto, una de las claves de la arquitectura va a ser la resolución técnica de la ejecución de la cubierta superior, elemento del que depende la estructura del edificio y, en resumidas cuentas, la creación de un espacio interior bien diferenciado del exterior, donde la obra arquitectónica se presenta como un conjunto de volúmenes y elementos decorativos que, por lo general, revelan la organización de los espacios interiores. En ocasiones, sin embargo, la forma exterior (fachadas y cubiertas) del edificio adquiere independencia funcional respecto al interior y se comporta como un elemento estético más.

La planta sobre la que se asienta el edificio puede reflejar con gran aproximación la distribución de espacios y volúmenes que conforman el edificio, así como su función y posibles simbolismos, por lo que es un elemento imprescindible a la hora de comprender una obra arquitectónica. Existen muchos tipos de plantas que, generalmente, se dividen en tres grandes grupos: plantas centrales, plantas longitudinales y plantas irregulares. Debajo podemos ver un ejemplo de planta longitudinal, conocido como Cruz Latina, muy común en el estilo Románico.

Así pues, además de la planta del edificio, el análisis técnico de una obra arquitectónica debe tener en cuenta los materiales con los que se ha construido y los elementos técnicos que definen su estructura, siendo éstos, a su vez, de dos tipos: elementos sustentantes y elementos sostenidos.

2.1.1. Materiales

Cumplen dos funciones principales: una es la constructiva y otra, que puede estar presente o no, es la ornamental.

Durante la mayor parte de la historia de la arquitectura, los materiales constructivos más recurrentes fueron la madera, el barro cocido (ladrillo) y la piedra; en épocas más recientes se han ido añadiendo el hormigón armado, el hierro y el acero, otros metales (bronce titanio, etc.), el vidrio y materiales sintéticos diversos.

Muchos de los materiales antes nombrados podían considerarse, al mismo tiempo, materiales ornamentales, como algunos tipos de piedra (el mármol de muchas catedrales e iglesias italianas), el ladrillo dispuesto de una determinada manera (como ocurre en el arte mudéjar español), el vidrio de los modernos edificios urbanos, etc. No obstante, en sentido más estricto y exclusivo, como materiales ornamentales, cabe destacar el estuco y los enlucidos, las yeserías, la cerámica vidriada, los mosaicos y las placas de piedra o madera.

2.1.2. Elementos Sustentantes

Como elementos sustentantes en un edificio podemos considerar básicamente dos tipos: los muros y las columnas y pilares. Además, existirían otros elementos intermedios, generalmente adosados al muro y con función de columnas o pilares o, simplemente, de refuerzo del muro, como son las pilastras, los contrafuertes o estribos, las cariátides o atlantes y, como elementos que no descansan en el suelo, las ménsulas y los modillones.

• El muro: es un soporte continuo que cierra el edificio y crea espacios dentro del mismo. En él debemos tener en cuenta tres elementos:a) El aparejo, o modo en el que están dispuestos o aparejados los elementos materiales (sillares, ladrillos, etc.) que lo conforman, puede ser regular o irregular. Del primer tipo tendríamos el llamado isódomo o el de soga y tizón; del segundo, los más conocidos son la mampostería y el llamado ciclópeo.

  

  Tipos de aparejos

  b) El paramento, o superficie del muro, que puede estar a la vista o bajo una capa de cemento o argamasa, que, a su vez puede estar adornada, pintada o esculpida o adoptar forma almohadillada.

  

  Muro con paramento de piedra vista y vanos pequeños.

  c) los vanos, o las puertas y ventanas por las que se accede o se ilumina y ventila el edificio, están constituidos por el umbral y el alféizar (parte inferior de la puerta y la ventana respectivamente) y por las jambas (partes laterales).

• La columna y el pilar son elementos de sostén verticales de sección circular o curva (columna) y cuadrada o poligonal (pilar). En ellos podemos distinguir tres partes:
  a) La basa o pedestal, que puede ser simple o compuesto por varias molduras (toros y escocias)
  b) El fuste, o parte central de la columna o pilar, puede ser liso, presentar estrías y acanaladuras, o tener forma entorchada o retorcida (salomónica). En ocasiones su parte central presenta un abultamiento llamado éntasis.
  c) El capitel, o pieza que se interpone entre la columna y el entablamento o arco sustentados, es la parte más decorada de la columna.
  Las formas y medidas específicas que presentan estos tres elementos de la columna, en el caso de las de origen griego o romano, dan lugar a lo que conocemos como órdenes de la arquitectura.

2.1.3. Elementos sustentados:

Serían aquellos elementos que forman la cubierta del edificio o sirven de transmisión de los empujes de la misma hacia los elementos soportantes. Existen dos elementos sustentados básicos, el dintel (o arquitrabe) y el arco, que dan lugar a dos grandes tipos de cubierta:

• Las cubiertas planas o arquitrabadas descansan sobre dinteles y ejercen empujes verticales sobre los elementos de sostén. Visualmente resultan estáticas, por lo que en ocasiones se cubren de decoración. Hasta la aparición del hormigón, no podían cubrir espacios demasiado anchos, bien fueran éstas de piedra (entablamento) o de madera (cercha o cintra)

• Las cubiertas curvas o abovedadas se originan a partir de la proyección longitudinal o rotatoria de un arco generador, lo que da lugar a la bóveda o, en el segundo caso, a la cúpula. Generalmente se construyen, a partir de pequeñas piezas llamadas dovelas, en piedra o ladrillo, y descargan sus empujes lateralmente sobre muros o pilares. En el caso de la cúpula, para pasar del espacio inferior de planta cuadrada, al superior circular, se utilizan dos sistemas: trompas y pechinas.

  

  Tipos de arcos más comunes

  

  Algunos tipos de bóvedas

En última instancia, pues, vemos como la cubierta es el elemento técnico decisivo para comprender la estructura del edificio y la organización de los espacios interiores. La resolución de los problemas (técnicos y materiales) que su construcción plantea ha determinado la evolución de la arquitectura.

2.2. Artes plásticas.

Nos referimos con esta denominación, al conjunto de artes que se basan en la representación, tanto figurativa como abstracta, de imágenes en dos (pintura) o en tres (escultura) dimensiones. Lo que tienen en común ambas formas de representación es que las dos aspiran a la plasticidad, es decir, a crear la sensación de que los elementos que las componen se encuentran modelados sobre un espacio tridimensional (lo que denominaríamos un fondo, en el caso de la pintura) por el cual se distribuyen y en el que, en cierta medida, se “mueven”. Las técnicas y materiales utilizados en estas artes, son, pues, decisivos a la hora de conseguir que el público obtenga dicha percepción y el artista sea reconocido en su calidad de tal.

En algunos casos, como la pintura, generalmente, las obras son piezas originales y únicas, pero en otros (escultura, grabado, etc.), la utilización de determinadas técnicas y procedimientos, permite la realización de múltiples copias o piezas de la misma obra. Lógicamente, esta doble cualidad (unicidad, multiplicidad) influye en la valoración final de la obra de arte. No obstante, la clasificación más común de las distintas artes plásticas es aquella que tiene en cuenta las técnicas y materiales utilizados.

2.2.1. La Escultura.

La escultura se define como el arte de crear volúmenes con formas figurativas o abstractas, que ocupan un lugar en el espacio y, por lo tanto, pueden contemplarse desde distintos puntos de vista.

Según el material, se puede trabajar en tres sistemas:
– El modelado, o método aditivo: La forma se va definiendo modelando o añadiendo materiales blandos o maleables como la arcilla, el yeso (estuco), la cera, etc.

– El tallado, o método sustractivo: consiste en eliminar materia de un bloque original hasta ir conformando la figura. En este método, los materiales más utilizados son la piedra (caliza, arenisca, granito, etc.), el mármol, el alabastro, el pórfido, el marfil y las maderas.

– El vaciado, consiste en obtener un molde en material maleable (arcilla interior y cera exterior) de la figura a representar. Dicho molde sirve para realizar después la figura mediante el vaciado de la cera y el relleno de los huecos con metal fundido (bronce, oro, plata, etc.).

El relieve sería un tipo de escultura en dos dimensiones que se realiza por el método del tallado en piedra o en madera. Hay dos tipos: el bajorrelieve (se rebajan las figuras representadas) y el altorrelieve (se rebaja el espacio que rodea las figuras, lo que sería el fondo de la representación)

2.2.2. La pintura.

Se trata de la representación bidimensional de figuras y de formas abstractas, utilizando para ello el dibujo y el color. El predominio de uno u otro ha sido, a lo largo de la historia del arte, uno de los rasgos distintivos de muchos estilos pictóricos. Por otro lado, aunque la representación plana es necesariamente bidimensional, la pintura ha tratado de buscar, en muchas épocas, la manera de representar la 3ª dimensión, es decir, de crear la sensación de profundidad. Para ello, era necesario “captar” la luz y que ésta apareciera en un cuadro.

La mayoría de los procedimientos para obtener una obra pictórica, se elaboran a partir de tres elementos: el pigmento (polvo mineral u orgánico) que da el color, el aglutinante que lo fija al mezclarse con él, y el soporte sobre el que se aplica la mezcla anterior utilizando diversos instrumentos como la paleta, el pincel o la espátula.

A continuación exponemos las características de las distintas técnicas pictóricas que, generalmente, se distinguen por el tipo de aglutinante utilizado, del que dependen en buena medida, la técnica de realización y el soporte sobre el que se aplica. También se incluyen algunas técnicas mixtas surgidas a lo largo del siglo XX, en las que, además de los habituales en pintura, se utilizan materiales, técnicas y texturas muy variados, tales como tierras y minerales, recortes, fotografías e, incluso, trozos y restos de objetos cotidianos.

Técnica	Materiales utilizados	Soporte	Características
Fresco	Pigmento y agua con cal	Muro revocado de estuco.	Aplicación rápida por zonas.
Acuarela	Pigm., agua y goma arábiga	Papel blanco.	Ejecución rápida, sin blanco.
Aguada (gouache)	Pigm., goma, agua o melaza	Papel y cartón	Colores espesos y con blanco
Témpera	Pigmento, agua y cola	Papel y estuco.	Colores apagados y blanco.
Temple	Pigmento y huevo.	Madera y tela.	Más brillante, seca despacio.
Óleo	Pigm. y aceite de linaza.	Madera, tela, papel, etc.	Gran brillo, textura, mezcla.
Encáustica	Pigm., resinas y ceras.	Muro, tela, madera.	Se pule con trapos de lino.
Acrílicos	Mezclas sintéticas con agua	Madera, tela, papel, etc.	Secado rápido y efectista
Pastel	Lápiz con pigm. minerales	Papel, madera.	Se debe aplicar un fijador.
Ceras	Pigmento y cera líquida	Papel, madera.	Se debe aplicar un fijador.
Laca	Pigm., laca (insectos), alcohol.	Madera.	Uso decorativo como barniz.
Mixtas	Collage, Dripping, Frottage, Grattage, etc.

2.2.3. Otras artes plásticas.

Muy relacionadas en su concepción formal con la pintura, podemos señalar otras artes plásticas como son:
a) El Grabado: Permite la seriación, es decir, la realización de numerosas copias de una placa que se impresiona sobre tela o papel mediante una prensa. Hay diversos métodos para obtener grabados, tales como la xilografía (realizada en relieve sobre madera), el huecograbado o calcografía (la matriz suele ser de cobre sobre el que se hacen surcos con buril o con aguafuerte), la litografía (sobre piedra), la serigrafía (matriz de seda que transfiere el dibujo al papel) y el esgrafiado (o dibujo rebajado).

b) La Miniatura: Es, en realidad, pintura al temple sobre papel o pergamino, que se utiliza para ilustrar libros , donde quedan enmarcadas en espacios muy reducidos. Se suele utilizar polvo de oro en muchos dibujos y motivos decorativos.

c) El Mosaico: Puede utilizarse en suelos (Lithóstroton) o en muros (opus musivum) y se compone de piezas de piedra de diversos colores (teselas) combinadas de forma que se crean figuras. Existen diversos tipos según el material empleado, como el opus tessellatum, con teselas iguales, de forma cuadrada; el opus vermiculatum, con teselasde formas variadas yel opus sectile, formado por losas de mármol de forma irregular. Esixte también el opus lapilli, elaborado a partir de pequeños guijarros de colores.

d) El Vitral o arte de las vidrieras: son cristales de colores que se combinan unidos por junturas de plomo formando representaciones figurativas o geométricas y que, una vez montados sobre estructuras de hierro, se colocan cubriendo grandes ventanales.

e) La Cerámica: se trata de arcilla u otro tipos de barros, sometidos a un proceso de cocción y según los tipos de tratamiento que reciban antes, durante y después de este proceso, se hablaría de terracota y loza (cerámicas porosas) y el gres y la porcelana (cerámicas vitrificadas)

 

3. Los orígenes históricos del Arte 

Hace unos 35.000 años, y especialmente durante el Paleolítico Superior, aparecen las primeras muestras persistentes de arte realizado con cierta continuidad, espacial y temporal, por el Homo Sapiens.  Se trata, en general, de dos tipos de obras: las que se realizan sobre las paredes de cuevas y abrigos y que representan animales y símbolos, aún de difícil interptretación, y las que se pueden portar de un sitio a otro y que, normalmente, son objetos de uso cotidiano o ceremonial.  El primer tipo de obras reciben, en conjunto, el nombre de arte parietal y pueden ser pinturas (conocidas también como pinturas rupestres, tanto monocromas como polícromas) o grabados.  El segundo grupo de obras se conocen como arte mueble y, entre sus realizaciones, destacan unas estatuillas femeninas de pequeño tamaño conocidas como «venus».  Tanto uno como otro tipo de obras, suelen tener un carácter figurativo realista e, incluso, naturalista.  Lógicamente, aún no podemos hablar de arquitectura, dado el carácter nómada de aquellas sociedades.

El Neolítico supondrá un cambio crucial en las formas de vida y de organización social de los grupos humanos, por lo que en esta época el arte tendrá unos rasgos muy distintos de los del Paleolítico,  La plástica abandona tanto los espacios en el interior de las cuevas como el realismo naturalista del período anterior, y las formas se sintetizan o se estilizan en busca de un arte más ideográfico.  Por otra parte, el asentamiento de las poblaciones que trae consigo la agricultura, traerá consigo la arquitectura, tanto la que tiene una función residencial, como la que se construye con fines ceremoniales o religiosos.  El megalitismo será la mejor expresión de este nuevo arte.

Un resumen de características de este arte inicial y algunas muestras relevantes del mismo aparecen en la siguiente presentación:

A partir del III milenio a.C. se van a desarrollar grandes civilizaciones fluviales en Egipto y Mesopotamia.  En ellas se manifiesta un arte con normas técnicas y estéticas muy claras (sobre todo en Egipto) y que cumple funciones que son ya claramente de tipo religioso, funerario, conmemorativo y enaltecedor de la figura de los príncipes y faraones. En estos dos ámbitos, se desarrollará un arte con algunos rasgos en común, como por ejemplo, el frontalismo y el estatismo hierático de las figuras que representan a los gobernantes y otros grandes personajes del poder político-religioso de cada reino, o el colosalismo de las construcciones más relevantes. En esta época ya se alcanzan cotas de representación naturalista que denotan un elevado nivel técnico, como en el relieve asirio de la leona herida.

Sin embargo, el hecho de que Mesopotamia fuera un espacio con diversos y cambiantes focos de poder, desde las ciudades estado sumerias de los primeros tiempos al imperio universal de los Persas, pasando por una larga serie de reinos e imperios (hititas, asirios, babilonios, etc.), mientras Egipto mantuvo una continuidad espacial y temporal que se extendió durante casi tres mil años, fue determinante en la evolución y variedad de las formas artísticas de uno y otro ámbito.

El gran arte egipcio va a definir sus características a partir de tres elementos claves: la temprana unificación de todo el territorio bajo un único gobernante (el faraón) con poder omnímodo, la importancia de una religión politeísta basada en la creencia en la vida de ultratumba, y la dependencia vital del río Nilo que fertiliza los campos de cultivo, base de su rica agricultura.
Así, frente a un arte áulico y ceremonial, que busca el idealismo y la magnificencia, la exaltación del faraón y la emulación de los dioses, existirá otro más popular y cercano, más humano y, por lo tanto, también más efímero. Las pirámides de Guiza, el templo de Luxor, los frescos de la tumba de Tutmosis III o la famosa Tríada de Mikerinos, son ejemplos del primero.  Las estuatuas de los escribas, el «alcalde del pueblo» (sheikh-el-beled) o muchas de las pinturas que cubren las paredes de las tumbas, en las que se muestran escenas de la vida cotidiana en Egipto, lo serían del segundo.

En el mapa se muestra el territorio egipcio y los lugares históricos más importantes, junto a una cronología del imperio que puede servir de marco de referencia cronológica.

Como ejemplo colosal de realizaciones arquitectónicas antiguas, podemos mencionar las grandes tumbas de los faraones de las primeras dinastías egipcias. A continuación, un espectacular documento visual sobre las Pirámides de Guiza creado por Google, que nos permite acceder a ellas casi como si las visitásemos realmente.  Sigue, para ello, el siguiente enlace pinchando sobre la fotografía:

A partir del II Milenio a.C. la influencia del arte egipcio y mesopotámico se expandió hacia el Mediterráneo Oriental (Cícladas, Creta, Micenas) y, desde comienzos del I Milenio, llegó a la zona central y occidental (arte Ibero, Etrusco, fenicio/cartaginés, etc.). Así, en ese entorno, fueron apareciendo distintos estilos artísticos que, en mayor o menor medida, remedan las realizaciones de estas grandes civilizaciones. En algún caso, la elevada calidad técnica de las mismas alcanzó cotas notables, como ocurre en Creta, pero hasta la aparición del arte clásico de Grecia, en el siglo V a.C., no se superaron los niveles que se dieron en Egipto, Asiria, Babilonia o Persia. La fusión de tradiciones artístico-culturales llegaría de la mano de Roma, cuando su imperio y su sentido práctico, se aliaron para lograr la culminación del arte antiguo y su difusión por Europa y la Cuenca del Mediterráneo. Había nacido el arte occidental, pero, como vemos, tuvo orígenes orientales, como no podía ser de otra manera.

4. El arte clásico griego y romano

4.1. Arte griego.

Las grandes civilizaciones del Próximo Oriente (Egipto y Mesopotamia) elevaron a la categoría de artistas a muchos de los artesanos o gentes del pueblo que, dotados de cualidades innatas o gracias a la experiencia de la práctica cotidiana, habían creado las pequeñas y grandes obras de arte prehistóricas.  Por eso, cuando a mediados del Primer Milenio a.C. se alcance en Grecia la culminación del arte antiguo, que definirá lo que se conoce como clasicismo, no debemos pensar que ello es producto únicamente del genio griego, sino que habremos de tener en cuenta también la importante herencia recibida de los artistas mesopotámicos, persas o egipcios. En la siguiente presentación se hace una síntesis de los rasgos generales, de los artistas y de algunas de las obras más características del arte de la Grecia antigua:

 

En este vídeo encontraréis un completo estudio sobre el arte griego, desde sus primeras realizaciones hasta su fusión con la civilización romana durante el período helenístico.  Disfrutadlo y aprended.

 

Otro vídeo más que nos acerca a la obra maestra de la arquitectura griega: la Acrópolis de Atenas.  Mediante una reconstrucción virtual en 3D podremos recrear por unos momentos esta magnífica ciudadela del arte en todo su esplendor:

 

Siguiendo este enlace, además, podéis encontrar un estudio del arte griego con muchos datos y recursos:

http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/09/arquitectura-griega.html

 

4.2. Arte Romano

Aunque ya con Alejandro Magno, la cultura y el arte griegos se habían difundido por Oriente en lo que parecía la universalización de los modelos culturales griegos, al tiempo que Grecia incorporaba de forma ostentosa formas y conceptos de la tradición oriental alejados de la mesura y el equilibrio formal que habían definido su arte siglos atrás, fue Roma la que mejor integró diversas tradiciones, propias y foráneas, con las formas artísticas griegas, generando una civilización y un arte de gran riqueza y fastuosidad que nos ha transmitido un legado de cultura y arte en el cual aún vivimos.  En la siguiente presentación se hace un resumen del arte romano, desde sus orígenes etruscos hasta su conversión en un arte medieval, pasando por la brillante época del alto imperio:

 

Además, en este estupendo blog de Historia y Arqueología, podéis ampliar vuestros conocimientos sobre Roma en todos los aspectos de su civilización (urbanismo, arquitectura, escultura, mosaico, etc.), con un profuso aparato gráfico y visual y gran cantidad de datos  sobre los distintos temas.  Pinchad para ello en el siguiente enlace:

http://artehistoriaestudios.blogspot.com.es/2011/06/arqueologia-roma-italia.html

 

Para terminar, una presentación en la que se resumen algunos de los principales conceptos arriba referidos y se hace una breve introducción a los orígenes del arte durante la prehistoria, y su desarrollo y evolución durante la Edad Antigua: